有了机械复制技术之后，绘画还有什么余地？绘画可以走向抽象，如同康定斯基、蒙德里安、马列维奇等人那样；也可以走向超现实，如同马格利特、达利、米洛等人那样；还可以走向意象，像齐白石、林风眠、吴冠中等人那样。绘画之所以朝这些方向发展，原因在于模仿现实的功能已经被机器所取代，艺术需要在机器触及的范围之外开出新的疆域。然而，随着电脑绘图技术的高速发展，无论是抽象、意象还是超现实的图像都可以由机器制作出来。绘画已经完全失去了自己的领地，难道绘画真的死亡了吗？我不认为如此。原因在于，对于艺术来说，重要的不仅在结果，而且在过程。
贝尔（Clive Bell）和科林伍德（Robin George Collingwood）在艺术进入后印象派时期发展出来的美学理论，对于我们理解今天的绘画仍然有所启示。根据贝尔，绘画的目的是创造“有意味的形式”（significant form）。与一般的形式主义强调形式游戏或者形式本身的审美价值不同，贝尔所说的“意味”不是来自符合形式美的规律，而是来自对形而上世界的揭示。正是在这种意义上，贝尔将艺术与宗教等同起来，因为它们都指向形而上世界。什么是形而上世界呢？这个问题是不能回答的，形而上世界已经超出了人的智力所及。换句话说，形而上世界是不可知的。至此，科林伍德的理论开始发挥作用了。科林伍德区别了再现（representation）和表现（expression）。对任何事先已经确知的东西的描述，都是再现，因此既可以再现外部世界，也可以再现内部情感。只有对事先未知的东西的探索才是表现，在这种意义上表现也就是创造。科林伍德贬低再现为巫术和娱乐，只有表现才是真正的艺术。将贝尔和科林伍德的思想结合起来，我们发现绘画还有一条新途径，那就是对不可知的形而上世界的探寻。鉴于形而上世界是不可知的，如同康德所言，对它的表现只能是否定性的。否定性表现的意义不在结果，而在过程，在过程所记录的精神探索留下来的痕迹。